Molti cantanti arrivano a lezione con la sensazione di avere poca aria a disposizione: sentono di non riuscire a completare alcune frasi o alcuni punti più impegnativi del brano.
Da lì nasce quasi automaticamente l’idea: “Devo respirare di più”.

In alcuni casi può esserci una difficoltà reale nella gestione del fiato. Ma molto spesso il punto non è semplicemente quanta aria entra ma come il corpo si prepara ad accogliere il suono.

Nel canto, l’inspiro non dovrebbe essere soltanto una presa d’aria. Dovrebbe già preparare lo spazio, il tono muscolare, l’appoggio e l’elasticità attraverso cui la voce potrà fluire con maggiore continuità.

Prima ancora di emettere una nota, il corpo ha già iniziato a predisporre il terreno da cui quella nota nascerà. Se questo momento è casuale, rigido o scollegato dalla frase, la voce rischia di partire già in svantaggio. Se invece l’inspiro prepara un assetto più funzionale, il suono trova una condizione più favorevole per nascere, restare stabile e muoversi nella frase.

La sequenza è semplice, ma molto importante:

Inspiro → assetto → suono

Non si tratta di respirare tanto ma di respirare in modo utile.

L’ISTANTE PRIMA DEL SUONO

C’è un istante, prima di cantare, che spesso viene sottovalutato.

È quel momento in cui sembra che non stia ancora accadendo nulla, ma il corpo sta già creando lo spazio necessario alla frase che sta per arrivare.

Ogni frase ha una richiesta diversa, e il corpo dovrebbe prepararsi in modo coerente con ciò che sta per cantare.

Il problema è che molti cantanti inspirano sempre nello stesso modo: spesso prendono aria senza preparare l’assetto che dovrà sostenere la frase, e poi cercano di sistemare tutto quando la voce è già in movimento.

Quando l’inspiro è teso, povero di spazio o troppo controllato, la voce parte già con meno libertà. La frase nasce da un corpo meno disponibile e il cantante può ritrovarsi a trattenere, spingere o correggere mentre sta già cantando.

Ecco perché il momento prima del suono merita attenzione. Non per rendere il canto più complicato, ma perché spesso è lì che la voce prepara una parte importante della sua libertà.

Da questa idea che nasce “RAIN”.

RAIN: PREPARARE IL CORPO PRIMA DELL’EMISSIONE

RAIN è un framework di preparazione inspiratoria, propriocettiva e attentiva.
Nasce per aiutare il cantante a entrare nel suono con un corpo più organizzato, più presente e meno dominato dal controllo.

Non è un metodo per “prendere più aria” e non è una sequenza rigida da applicare meccanicamente. È piuttosto un modo di portare attenzione a ciò che accade prima dell’emissione, quando il corpo prepara le condizioni da cui il suono prenderà forma.

RAIN lavora su quattro direzioni:

R — Respira
A — Ascolta
I — Immagina
N — Non giudicare

Sono parole semplici, ma non vanno lette in modo superficiale. Ognuna apre una zona precisa del lavoro vocale: la preparazione dello spazio, la percezione del sostegno, il mantenimento e lo sviluppo dello spazio durante la frase e la gestione dell’interferenza mentale.

La domanda non è più soltanto: “Ho preso abbastanza aria?”.

La domanda diventa: “Il mio corpo ha preparato l’assetto necessario per questa frase?”.

R — Respira: preparare lo spazio, non accumulare aria.

Il primo passaggio di RAIN è respirare, ma qui la parola “respira” va intesa bene.

Nel canto, respirare non significa riempirsi il più possibile, gonfiare il corpo o prepararsi come se si dovesse affrontare uno sforzo enorme.
Un inspiro troppo carico può diventare pesante, rigido, difficile da trasformare in suono.

Respirare in modo funzionale significa invece creare uno spazio utilizzabile. Uno spazio che non si chiude appena la frase inizia. Uno spazio che non costringe il cantante a spingere, trattenere o cercare la voce nella gola.

Quando l’inspiro prepara bene l’assetto, puoi sentire più spazio nella parte bassa del torace, un’espansione più elastica delle costole fluttuanti, meno intervento delle spalle e un collo più libero. Anche i fianchi e la parete addominale partecipano in modo più naturale, senza irrigidirsi. L’appoggio non diventa una posizione da tenere, ma una condizione viva da cui la frase può essere sostenuta con più facilità.

Questa differenza può sembrare sottile, ma per il cantante è enorme. Perché cambia il punto di partenza del suono.

La voce non ha bisogno di un corpo pieno d’aria. Ha bisogno di un corpo organizzato, elastico, disponibile alla frase che sta per nascere.

A — Ascolta: sentire il sostegno invece di “inseguirlo”.

Dopo l’inspiro, molti cantanti si concentrano subito sul suono e cercano di controllare troppo la parte meccanica del gesto. Vogliono essere sicuri che tutto sia al posto giusto, ma proprio quel controllo eccessivo può togliere naturalezza a ciò che stanno facendo.

Il rischio è che l’attenzione diventi troppo mentale.

In RAIN, ascoltare significa restare un attimo in contatto con ciò che l’inspiro ha prodotto nel corpo, senza trasformare subito quella sensazione in controllo o giudizio.

Dove senti più spazio?
Dove percepisci sostegno?
Il corpo accompagna il respiro o tende già a trattenere qualcosa?
Senti che la frase può partire da un appoggio più stabile?

Questo ascolto non è teorico. Non riguarda il “sapere” cosa dovrebbe accadere, ma il riconoscere fisicamente cosa sta accadendo.

È una forma di propriocezione applicata al canto: non serve a controllarti di più, ma a diventare più consapevole del gesto che precede il suono.

Prima ancora di intervenire, bisogna sentire. Perché se non riconosci quando il corpo sta offrendo un sostegno stabile e funzionale al suono, diventa difficile ricreare quella condizione con continuità.

I — Immagina: dare continuità alla frase.

Il terzo passaggio è immaginare, ma anche qui bisogna evitare un equivoco.

Immaginare non significa aggiungere una fantasia poetica sopra la tecnica. Non significa rendere il canto più “emozionale” in modo generico.
Nel lavoro vocale, una buona immagine serve quando aiuta il corpo e l’attenzione a mantenere una direzione.

Molti problemi vocali non nascono da una mancanza d’aria, bensì dall’incapacità di mantenere disponibile lo spazio preparato nell’inspiro mentre la frase procede. La difficoltà, infatti, non sta nel creare quello spazio iniziale, ma nel conservarlo per tutta la durata della frase: dopo poche sillabe l’assetto perde continuità, lo spazio si riduce, l’appoggio diventa meno elastico e il cantante finisce per compensare trattenendo, spingendo o cercando controllo nella gola.

Una visualizzazione efficace può aiutare a non interrompere quella continuità.
Può favorire la sensazione che lo spazio predisposto nell’inspiro rimanga disponibile e possa continuare a svilupparsi durante la frase, senza che il suono debba essere tirato fuori a forza e senza che il corpo debba irrigidirsi per sostenerne l’emissione.

Le immagini utili non sono uguali per tutti, perché ogni cantante percepisce il corpo e il suono in modo diverso. Ma spesso il risultato ricercato è simile:

• la frase non collassa dopo l’attacco;
• il suono resta più stabile;
• il corpo non si chiude subito;
• l’emissione non cerca il volume attraverso la spinta, ma lo ottiene più facilmente dallo spazio che riesce a mantenere disponibile;
• l’appoggio resta più elastico;
• la voce sembra avere più continuità.

Nel lavoro vocale, una buona immagine serve quando aiuta il corpo e l’attenzione a mantenere e sviluppare lo spazio predisposto durante l’inspirazione mentre la frase procede.

Quando quello spazio resta disponibile, la voce può trovare più presenza e potenza armonica senza dover essere spinta. Il volume non nasce necessariamente da un aumento di pressione: spesso è il risultato di un assetto più elastico, capace di sostenere meglio il movimento dell’aria e la continuità della frase.

N — Non giudicare: tornare al gesto quando arriva la paura.

Il quarto passaggio riguarda l’attenzione.

Ogni cantante conosce quel momento in cui una frase comincia a pesare prima ancora di essere cantata. Può succedere prima di una nota che ti preoccupa, di un attacco delicato, di un passaggio che in passato non è venuto come volevi o di una frase che senti particolarmente importante.

In quel momento la mente può entrare con forza.

“Qui sbaglio sempre.”
“Devo stare attento.”
“E se non esce?”
“Non devo perdere l’appoggio.”
“Questa nota mi preoccupa.”

Il problema non è avere pensieri. Sarebbe irrealistico pretendere di eliminarli. Il problema nasce quando quel giudizio modifica il corpo: il respiro si accorcia, la mandibola trattiene, il collo si irrigidisce, la gola si prepara a difendersi e l’attenzione si restringe proprio nel punto in cui avrebbe bisogno di restare disponibile.

In RAIN, “non giudicare” non significa ignorare la difficoltà o convincersi artificialmente che andrà tutto bene. Significa riportare l’attenzione su ciò che stai costruendo: lo spazio che resta disponibile, l’assetto che sostiene la frase, il mantenimento del gesto e il suono che prende forma senza essere forzato.

Il giudizio porta il cantante fuori dal gesto. Il compito lo riporta dentro.

Questa è una distinzione fondamentale, soprattutto quando si canta sotto pressione. Perché spesso il cantante non ha bisogno di pensare di più: ha bisogno di orientare meglio l’attenzione.

Quando riesci a tornare al gesto concreto, la mente smette di occupare tutto lo spazio e il corpo può tornare a partecipare in modo più libero.

PERCHÉ PREPARARE IL SUONO PRIMA DEL SUONO CAMBIA L’ESPERIENZA DEL CANTO

Preparare il suono prima del suono significa riconoscere che la voce non parte mai separata dal corpo. Prima di ogni frase c’è già un assetto che può sostenerla, oppure renderla più difficile: può creare spazio e stabilità, oppure portare nell’emissione tensione, fretta, paura o bisogno di controllo.

RAIN lavora esattamente lì: in quel momento breve ma decisivo in cui il cantante può imparare a riconoscere il proprio assetto, preparare meglio lo spazio e arrivare alla frase con un corpo più disponibile. Non per complicare il canto, ma per togliere automatismi inutili e aiutare il cantante a entrare nella frase con più presenza.

Quando questo lavoro inizia a essere integrato, il cantante può percepire cambiamenti importanti:

• maggiore stabilità all’attacco;
• meno compensazioni;
• frase più continua;
• corpo meno rigido;
• appoggio più vivo;
• attenzione più orientata;
• minore interferenza del giudizio;
• più fiducia nel gesto vocale.

Naturalmente non si tratta di una scorciatoia e non sostituisce il lavoro tecnico vocale. RAIN è un modo per preparare meglio il gesto vocale, collegando inspirazione, corpo, percezione e attenzione.

Per questo imparare a osservare ciò che accade prima dell’emissione è così importante. Una frase non diventa difficile solo mentre la stai cantando: spesso arriva già condizionata da come il corpo si è preparato, da quanto spazio è riuscito a mantenere, da quanta elasticità c’è nell’appoggio e da quanto controllo mentale è entrato prima del suono.

Quando inizi a guardarlo in questo modo, quel momento smette di essere un dettaglio e diventa una parte concreta del lavoro vocale.

Vuoi scoprire come applicare RAIN alla tua voce?

RAIN è uno degli approcci che utilizzo all’interno delle mie lezioni di canto e dei percorsi di vocal coaching.

Se ti capita di sentire alcune frasi più difficili ancora prima di cantarle, se percepisci che il corpo si chiude, che il respiro diventa meno libero o che inizi a cercare più aria quando invece servirebbe un assetto più funzionale, questo lavoro può aiutarti a capire meglio cosa accade e come intervenire.

Per approfondire RAIN e scoprire come applicarlo alla tua voce, puoi scrivermi o contattarmi direttamente attraverso il sito.

Perché il suono non comincia solo quando lo emetti.
Comincia anche da come ti prepari a lasciarlo fluire.

Perché?
Uno dei motivi principali, a mio avviso, è il voler imparare bene e in fretta una pratica che in realtà richiede tempo, studio, propriocezione ed elasticità.
A malincuore noto sempre più “esperti” che propongono esercizi fai da te e dispensano consigli online su come produrre/attivare tali suoni senza avere la benché minima consapevolezza dell’argomento in questione.

Il Risultato?   
Nella maggior parte dei casi vengono diffuse numerose inesattezze: gli esempi proposti sono spesso sbagliati sia dal punto di vista tecnico-pratico che teorico (ossia nella definizione stessa dei suoni emessi). Questo fenomeno ormai assai diffuso soprattutto grazie ai social, oltre che a denotare una scarsa conoscenza dell’argomento, genera tanta confusione. Inoltre tutta questa approssimazione causa spesso episodi di rigidità e tensione vocale a tutti quei “malcapitati” che provano a mettere in pratica tali consigli nel tentativo di emulare quei suoni.

La Volpe e L’Uva
Altro motivo che crea confusione sull’argomento, forse il più preoccupante, è legato alla errata concezione di una vasta fetta degli “addetti ai lavori” legata all’argomento.  Molti infatti credono che chi distorce la voce stia semplicemente urlando o “rovinando” la propria voce, indice di una mancanza di tecnica vocale quando è ormai ben noto che sia dal punto di vista tecnico che artistico, la distorsione vocale è una tecnica specifica che richiede abilità, e non un semplice urlo causato da incapacità vocale.

A volte sarebbe opportuno ammettere con onestà, soprattutto da parte di chi opera nel settore, di non conoscere l’argomento piuttosto che emettere sentenze senza cognizione di causa soltanto perché non si hanno le competenze adeguate per eseguire certe tecniche.

Se la distorsione provoca dolore, raucedine o tensione, significa che non è eseguita correttamente e non che sia una tecnica sbagliata a prescindere.

Yes You Can!     
È quindi possibile imparare a usare le distorsioni vocali in totale sicurezza tramite il supporto di insegnanti/vocal coach/vocal trainer esperti in materia.
Per i motivi sopra elencati, al fine di fare più chiarezza e creare maggiore consapevolezza sul tema distorsioni vocali, ho proposto al mio foniatra – Il Dr. Enrico Di Lorenzo – di elaborare un workshop teorico-pratico che trattasse in maniera approfondita l’affascinante quanto complesso mondo della voce distorta.

Enrico Di Lorenzo è un Medico Chirurgo, specialista in Audiologia e Foniatria, Foniatra Artistico, e non in ultimo cantante degli Hideous Divinity  con attività decennale in Europa, Nord America, Russia, Giappone.

Per saperne di più, leggere l’intervista a Enrico Di Lorenzo “Il Medico chirurgo Death Metal” a cura di METAL ITALIA. 👉🏾 INTERVISTA 👈🏻

Video playthrough realizzato con throat cam per “When Flesh Unfolds”, pezzo estratto dall’album “Adveniens” degli Hideous Divinity ⬇️ ⬇️ ⬇️

“Con questo video dò la possibilità anche a chi ha seguito i miei studi solo dal punto di vista scientifico e non artistico di vedere realmente con che velocità avvengono i passaggi da una posizione risonanziale all’altra e come si comportano le strutture laringee e faringee in relazione all’articolazione e alla respirazione durante una vera canzone, con tutte le esigenze tecniche e espressive del caso”.

Se tutto ciò ti affascina, suscita interesse e/o vorresti approfondire l’argomento, ti consiglio vivamente di partecipare al workshop 𝑫𝑨𝑳𝑳’𝑨𝑹𝑻𝑬 𝑨𝑳𝑳𝑨 𝑺𝑪𝑰𝑬𝑵𝒁𝑨 – 𝑰𝒍 𝒄𝒂𝒏𝒕𝒐 𝒆𝒔𝒕𝒓𝒆𝒎𝒐, 𝒍𝒆 𝒈𝒓𝒂𝒇𝒇𝒊𝒂𝒕𝒖𝒓𝒆 𝒗𝒐𝒄𝒂𝒍𝒊 𝒆 𝒍𝒆 𝒗𝒐𝒄𝒊 𝒔𝒐𝒗𝒓𝒂𝒈𝒍𝒐𝒕𝒕𝒊𝒄𝒉𝒆.

Per maggiori INFO sul workshop inviare un messaggio ai seguenti contatti:

📲 3298166647
📧 andrea.scacchioli@gmail.com

Grazie per la lettura, al prossimo articolo!

𝐀𝐧𝐝𝐫𝐞𝐚 𝐒𝐜𝐚𝐜𝐜𝐡𝐢𝐨𝐥𝐢
𝐶𝑎𝑛𝑡𝑎𝑛𝑡𝑒 | 𝑉𝑜𝑐𝑎𝑙 𝐶𝑜𝑎𝑐ℎ | 𝑀𝑒𝑛𝑡𝑎𝑙 𝐶𝑜𝑎𝑐ℎ
𝐸𝑠𝑝𝑒𝑟𝑡𝑜 𝑖𝑛 𝑉𝑜𝑐𝑜𝑙𝑜𝑔𝑖𝑎 𝐴𝑟𝑡𝑖𝑠𝑖𝑡𝑐𝑎 𝑒 𝑛𝑒𝑙 𝑀𝑒𝑡𝑜𝑑𝑜 𝑃𝑅𝑂𝐸𝐿

Nel 2022-2023 ho partecipato al Master Universitario nel Metodo Propriocettivo Elastico PROEL.
Si tratta di un corso di Alta Formazione impartito dal Centro di Foniatria e Logopedia del Dr. Alfonso Borragán Torre ed erogato dalla UIMP (Università Internazionale Menéndez Pelayo).

Il Prof. Alfonso Borragán è un professionista formidabile ed una persona che sprizza energia da tutti i pori. Il suo approccio si basa sulla totale sperimentazione e osservazione dei risultati con uno spirito di condivisione e confronto unici, con l’obiettivo di stimolarti alla sperimentazione e a fare ricerca vocale.

Il metodo PROEL parte dal presupposto secondo il quale la voce è elasticità, quindi l’obiettivo principale è portare il corpo alla massima elasticità basandosi sull’aumento della propriocezione. Quando si raggiunge l’elasticità, la voce parlata o cantata può ottenere il massimo rendimento con il minimo sforzo.

Per me l’esperienza PROEL ha avuto un significato importante: rappresenta un periodo di crescita personale e professionale di valore inestimabile. Durante il corso ho avuto modo di esplorare gli enormi benefici che la voce ottiene quando il corpo si trova in condizioni di massima elasticità. In particolare, ho osservato come alcuni esercizi del PROEL agiscono su dinamiche psicomotorie capaci di agevolare la produzione vocale del cantante.
Il cantante si trova nella condizione di fare senza pensare e preoccuparsi del risultato finale: semplicemente fai e vedi cosa succede! Questo approccio ha senz’altro effetti interessanti e positivi sul rendimento della voce.
Nella maggior parte dei casi infatti si ottiene una notevole energia vocale che si traduce in maggiore risonanza, facilità e libertà di emissione.
L’obiettivo degli esercizi PROEL non è trasferire competenze tecniche al cantante bensì risvegliare il corpo/voce tramite un’esperienza, l’esposizione e la pratica, spesso senza una consapevolezza immediata.

LA RICERCA

Effettuando alcuni di questi esercizi con i miei allievi ho notato spesso l’attivazione di un processo che, se ripetuto nel tempo, porta il cantante a percepire delle sensazioni, elaborarle e riprodurle in maniera istintiva. Alla luce di queste considerazioni, mi sono posto una domanda: “Possono alcuni esercizi che agiscono sul principio dell’elasticità rappresentare nel breve periodo un valido supporto per i cantanti che sostengono performance canore ad alta intensità?
Per ottenere una risposta a questa domanda ho deciso di coinvolgere nove cantanti in una ricerca sperimentale con l’obiettivo di sviluppare un training per supportare la loro intensa attività live.
Per verificare tale ipotesi è stata adottata una metodologia basata sulla comparazione dei risultati relativi alla fase pre e post training tramite l’utilizzo di esercizi PROEL, test di valutazione e autovalutazione.

Lo studio è stato strutturato in tre fasi.

1° FASE
In questa fase preliminare ai partecipanti è stato chiesto di compilare un questionario anamnestico sulla salute vocale; un questionario “Criticità della performance” con lo scopo di raccogliere informazioni sulle loro abitudini prima del concerto (riscaldamento vocale, alimentazione) e di individuare eventuali difficoltà nella gestione atletica della performance vocale (prima, durante, dopo il concerto).
I cantanti hanno svolto il loro regolare allenamento vocale prima della performance e, il giorno del concerto, hanno registrato per intero la loro esibizione live.
Per finire, il giorno seguente hanno compilato il test di autovalutazione relativo alla performance.

2° FASE
Nella seconda fase, ossia il periodo antecedente alla seconda performance canora, i cantanti si sono sottoposti al training per 15-20 giorni svolgendo gli esercizi due volte al giorno.

3° FASE
Questa ultima fase comprende le procedure e i test effettuati dopo il training.
Nello specifico i partecipanti hanno registrato per intero la seconda performance vocale ed il giorno seguente l’esibizione live hanno svolto di nuovo il test di autovalutazione relativo alla performance.

RISULTATI E CONCLUSIONI

Tutti i dati raccolti sono stati analizzati e comparati tramite l’osservazione dei test di autovalutazione dei cantanti e i test di valutazione da parte di una giuria di esperti di voce (Foniatri, Logopedisti, Insegnanti di canto). La parte più interessante della ricerca è costituita dalla valutazione da parte di un gruppo di sei esperti basata su ascolti random delle tracce audio (relative alla fase pre e post training) registrate durante le performance canore di ciascun partecipante.
I parametri oggetto di valutazione sono stati: intonazione, benessere vocale a fine concerto, benessere fisico a fine concerto, agilità vocale, proiezione, risonanza, controllo vocale, leggerezza, fiato.

I risultati ottenuti dal giudizio degli esperti e dai test di autovalutazione dei cantanti hanno conferito un’importante validità al lavoro svolto durante la fase del training vocale.
I dati raccolti hanno evidenziato in generale notevoli miglioramenti nelle voci di tutti i cantanti: dai punteggi assegnati dalla giuria di esperti è stato registrato infatti un notevole incremento medio complessivo della fase post rispetto al pre. I parametri col miglior margine di crescita (da pre a post) sono risultati proiezione e risonanza.
Tale tendenza è stata rilevata anche dai test di autovalutazione dei cantanti dove il parametro risonanza è aumentato maggiormente rispetto agli altri da pre a post.

In conclusione, l’allenamento svolto ha avuto un impatto positivo sulle performance dei cantanti rivelandosi un valido alleato del performer che svolge un’intensa attività canora.
Infatti, tutti i cantanti nella seconda esibizione hanno percepito una maggiore risonanza, disponibilità di fiato, facilità di emissione e resistenza fisica/vocale rispetto alla prima.
I risultati della ricerca sono stati davvero incoraggianti e hanno arricchito le mie competenze in ambito didattico. Grazie a questo studio, non solo ho potuto aggiungere alla mia didattica nuovi spunti, idee e strumenti, ma sono riuscito a comprendere l’importanza dell’energia del corpo e la sua stretta relazione con la voce.

La voce è l’espressione del corpo. Soltanto un corpo elastico riesce a produrre una voce elastica, ossia libera, potente e agile.

Last but not least, il 5 Settembre 2024 ho avuto l’onore ed il piacere di presentare la ricerca in occasione della Conferenza Internazionale sulla voce PEVoC 2024 a Santander (Spagna).

TESTIMONIANZE DI ALCUNI PARTECIPANTI ALLA RICERCA

Elisa Ferraguti (Cantante, Insegnante di canto)
“Il training sembra aver avuto un effetto complessivo sulle varie funzionalità della voce.
Il tutto è stato più armonico e fluido.”

Sefora De Canistris (Cantante, Insegnante di canto)
“Grazie al training svolto avrei potuto cantare altre canzoni.
Mi sembrava di avere tutto pronto con tempi di riscaldamento vocale brevi.”

Roberto Cenci (Cantante)
“Ho notato un miglioramento rispetto al concerto precedente,
non ho avvertito alcuna necessità di sforzare la voce durante la performance.
Nessuna stanchezza pre e post concerto, voce rimasta pressoché inalterata rispetto all’inizio.”

Se sei un cantante/performer e vuoi saperne di più sul mio approccio didattico, clicca sul tasto sotto o inviami un messaggio nella sezione del sito Contatti.

𝐌𝐚𝐬𝐭𝐞𝐫 Cl𝐚𝐬𝐬 𝐝𝐢 𝐂𝐚𝐧𝐭𝐨 rivolta a cantanti ed insegnanti di canto che si terrà 𝐒𝐚𝐛𝐚𝐭𝐨 20 𝐀𝐩𝐫𝐢𝐥𝐞 𝐝𝐚𝐥𝐥𝐞 𝟏𝟓:𝟎𝟎 𝐚𝐥𝐥𝐞 𝟏𝟖:𝟎𝟎 presso la Scuola di Teatro DRAMA in📍Via Matteo Da Leonessa, 14 (Torretta) – L’Aquila.

La 𝐌𝐚𝐬𝐭𝐞𝐫 𝐂𝐥𝐚𝐬𝐬 intende esplorare il complesso e affascinante mondo della 𝐯𝐨𝐜𝐞 𝐜𝐚𝐧𝐭𝐚𝐭𝐚 tramite un approccio teorico e pratico basato su ricerche in ambito didattico-scientifico, sperimentazione, formazione continua ed esperienze dirette sul palco. Lo strumento voce sarà approfondito ed analizzato in tutti i suoi aspetti principali in maniera chiara e semplice al fine di coinvolgere tutti i partecipanti.

Ecco alcuni degli 𝐚𝐫𝐠𝐨𝐦𝐞𝐧𝐭𝐢 che verranno trattati durante l’incontro:
✅ Cenni di anatomia e fisiologia vocale
La respirazione del cantante | Le corde vocali | Il tratto vocale
✅ Meccanismi laringei e Registri vocali
✅ Il registro medio con consonanza mista: il Mix
✅ Tipologie di Mix a confronto (verticale, orizzontale)
✅ Come sviluppare un buon Mix
✅ Il Belting
✅ Postura e voce: il corpo che canta
✅ Energia e visualizzazione: Il modello del semicerchio© Singer Body Training®
✅ Riscaldamento e defaticamento vocale
✅ Domande e risposte
✅ Sessione pratica con i partecipanti

COSTO €45 a persona

Riserva il tuo posto:
📱349 2550046 📱340 3878214
📧 scuoladiteatrodrama@gmail.com

Oggi la maggior parte dei musicisti riesce ad allestire un piccolo studio di registrazione nella propria casa/studio acquistando soluzioni con un buon rapporto qualità/prezzo.
Iniziamo dai componenti essenziali per realizzare la nostra work-station.

PERSONAL COMPUTER

Chiunque voglia lavorare sull’audio e la musica ha bisogno di un computer, fisso o portatile.
In commercio troviamo un numero spropositato di modelli economici e costosi. La scelta del PC va fatta con molta attenzione poiché rappresenta il cuore del nostro home studio. Bisogna selezionare le sue componenti in base all’uso che ne faremo altrimenti si rischia di acquistare, ad esempio, processore, RAM o hard disk sotto o sovra dimensionati rispetto alle nostre reali esigenze e/o entità di lavoro che intendiamo svolgere.

DAW – DIGITAL AUDIO WORKSTATION

La seconda cosa che non può assolutamente mancare nel nostro tuo studio è una DAW software.
La DAW è un sistema elettronico progettato per la registrazione, il montaggio e la riproduzione dell’audio digitale che ci permette di manipolare liberamente i suoni. Esistono versioni gratuite e a pagamento.

Sulle versioni gratuite delle DAW va fatta una considerazione: essendo gratuite hanno molte limitazioni, ad esempio, dal numero ridotto di tracce a quello dei progetti sui quali si può lavorare contemporaneamente. Tuttavia, è anche vero che possono rappresentare la soluzione ideale per imparare i rudimenti del programma senza dover per forza acquistare o noleggiare la versione completa.

Soluzioni gratuite:

Audacity – è la open source 100% free più famosa al mondo da diversi anni, disponibile sia per sistemi operativi macOS che Windows. L’interfaccia è flessibile, intuitiva e facile da usare nel corso del tempo.
Non dispone delle funzionalità estese dei software di DAW più grandi (a pagamento) ma è un buon compromesso per via della sua semplicità e accessibilità soprattutto se si è alle prime armi e occorre prendere confidenza con l’home-recording.
Garage band – può essere considerata come una versione light di Logic Pro, con funzionalità ridotte ma sufficienti per registrare demo o iniziare a costruire una traccia di qualsiasi genere musicale. Il punto forte di questa DAW è la grande facilità di apprendimento delle sue funzioni. L’enorme vantaggio di Garage band è che, a differenza degli altri software di registrazione, è l’unica DAW che offre ai produttori una completa unica serie per poi passare gradualmente a Logic. Questo aspetto agevola molto la crescita in termini di competenze per tutti gli users ed è, a mio avviso, fondamentale!
Reaper – workstation audio digitale completa per Windows, la inserisco tra le soluzioni gratuite perché è possibile testare il software per ben 60gg. Reaper è molto più economico di ogni altra DAW a pagamento! Si tratta di una soluzione intuitiva, funzionale e leggera dal punto di vista delle risorse di sistema.
Risulta veloce nel caricamento, efficiente nel supportare una vasta gamma di estensioni con oltre 300 plugins gratuiti. Senza alcun dubbio, il suo più grande pregio sono i frequenti update del software basati sui feedback degli utilizzatori.

SCHEDA AUDIO

Elemento che non può mancare nel nostro studio è la scheda audio. Si tratta di un una componente hardware che permette di gestire i flussi sonori in ingresso e in uscita dal computer.

Focusrite Scarlett 2i2 3rd Generation

Le soluzioni che vi consiglio sono economiche (max. 200 €), hanno un ottimo rapporto qualità/prezzo e garantiscono un buon risultato. Partiamo da quelle molto economiche (50-110 €), schede audio esterne USB estremamente compatte per poter cominciare con pochi soldi e poco spazio. Perfette per registrare voce e chitarra:
U-PHORIA UMC22
Scheda pensata principalmente per chi deve effettuare registrazioni microfoniche che include preamplificatori MIDAS, software di registrazione audio, editing e podcasting gratuito, oltre 150 plug-in di strumenti/effetti scaricabili gratuitamente dal sito della casa produttrice. Se siete al verde allora questo bundle fa per voi. Nel bundle c’è un modello diverso dalla U-PHORIA UMC22, si tratta della U-PHORIA UM2, dello stesso brand e con le stesse caratteristiche.
PreSonus AudioBox iTwo
Compatibile con PC, Mac e iPad dispone di un monitoraggio hardware e preamp microfonici decisamente validi; inoltre include il software di registrazione Studio One Artist con molti plugins. A mio avviso siamo dinanzi ad un prodotto di buona qualità ad un prezzo abbordabile.
Se il vostro budget è risicato e intendete risparmiare, vi segnalo questo bundle che oltre alla scheda audio PreSonus include un mic a condensatore, software DAW, cuffie e cavi! Una soluzione all-in-one ad un prezzo davvero vantaggioso.
M-Audio AIR 192|4
Interfaccia robusta dal design elegante ed ergonomico, caratterizzata da una conversione A/D di ultima generazione, preamplificatori microfonici basati sulla nuova tecnologia Crystal. Grazie alla connessione USB-C è una scheda molto veloce con latenza quasi inesistente. Include versioni base di DAW come ProTools First, Ableton Live Lite. Prezzo irrisorio.
Anche in questo caso troviamo un bundle niente male.

Ora passiamo a soluzioni leggermente più costose (max. 200 €). Iniziamo con la mia preferita, la Focusrite Scarlett 2i2 3rd Gen
Con questa scheda iniziamo a fare sul serio; la Scarlett ha un suono veramente pulito e dettagliato che ci permette di aumentare il gain a buoni livelli senza produrre rumore eccessivo. Lo stesso gain delle cuffie è talmente alto da non poterlo mai usare al massimo delle sue potenzialità. Non presenta alcun problema di latenza. La utilizzo per registrazioni su basi musicali e su progetti di home recording in multi-traccia con altri strumenti e sono pienamente soddisfatto delle performance di questa scheda. La scheda include anche DAW entry level come Ableton Live Lite e Pro Tools First. Secondo me siamo dinanzi alla soluzione economica con il miglior rapporto qualità-prezzo. Cos’altro dire, consigliatissima! Per coloro che intendono risparmiare qualcosina in più sulle altre componenti, suggerisco questo interessante bundle all-in-one.
Con un budget poco sotto i 200 euro, possiamo optare per la scheda audio Steinberg UR242.
Interfaccia di ottima qualità audio, può essere connessa facilmente ad un iPad. SDispone di DSP integrato per monitoraggio senza latenza, con effetti che utilizzano il software dspMixFx incluso nel prezzo.
La UR 242 include una versione ridotta di Cubase Al DAW, software con una interfaccia intuitiva, ideale per iniziare a registrare, editare e mixare.
Con qualche spicciolo in più ci portiamo a casa un’interfaccia superiore alle precedenti, decisamente una soluzione di tecnologia avanzata da aggiungere nel nostro studio: SSL 2 Solid State Logic.
Tra le caratteristiche principali abbiamo i preamplificatori microfonici analogici targati SSL, l’ampli cuffie di alta qualità e un pannello frontale intuitivo per il controllo del mix. Una caratteristica assolutamente unica è la modalità Legacy 4K che conferisce carattere analogico al segnale in ingresso. Si tratta infatti di un nuovo strumento sonoro totalmente analogico, grazie al quale è possibile introdurre un effetto di maggior presenza sulle alte frequenze conferendo una ricca “pasta sonora”. Altra importante caratteristica è il ricchissimo bundle software SSL Production Pack che contiene alcuni dei migliori plugins della serie Native di Solid State Logic così come un’attenta selezione di DAW, sample, loop e virtual instrument fornita da alcuni dei marchi leader di settore.

MICROFONO

Veniamo alla parte più importante, i microfoni a condensatore con diaframma largo, ovvero la tipologia di microfoni più usati per Rec in studio.

Sono dotati tipicamente di una risposta in frequenza molto ampia e relativamente piatta, consentono la ripresa di quasi ogni sorgente sonora, garantendo un suono naturale e non viziato da artefatti. Di seguito vi propongo 3 microfoni economici che ritengo tra i migliori per rapporto qualità-prezzo.

Audio Tecnica AT2020
L’AT2020 è uno microfono molto conosciuto per il suo rapporto qualità/prezzo fantastico. Ha una risposta in frequenza piuttosto lineare anche nella parte più bassa dello spettro audio, più nello specifico dai 50Hz in giù. É l’ideale per tutti coloro che vogliono creare un piccolo studio nella loro casa. Grazie alla gestione di alti livelli di pressione sonora e la sua eccezionale gamma dinamica, offre una versatilità senza precedenti.

Caratteristiche Principali
Diagramma Polare: Cardioide, Omnidirezionale, Figura a 8
Risposta in frequenza: 20Hz – 20KHz

Se Electronics X1 A
Il microfono a condensatore a diagramma largo SE X1A è uno standard assoluto, considerato soprattutto il costo irrisorio rispetto alla qualità del trasduttore. Integra un pad a 10dB pad e bass cut. Non ci sono altri marchi in grado di proporre attualmente sul mercato un microfono di questa qualità con un prezzo inferiore.

Caratteristiche Principali:
Diagramma Polare: Cardioide – Unidirezionale
Risposta in frequenza: 20Hz – 20KHz

Rode NT1-A
Il microfono Rode NT1-A è un microfono a condensatore dalla qualità costruttiva solida e robusta, caratterizzato da un calore, estensione dinamica, chiarezza e supporto di livello elevato al pari dei microfoni più costosi. Garantisce chiarezza timbrica e grande risposta dinamica. Il RODE NT1-A è diventato uno standard entry level da avere assolutamente in home recording quando si inizia a pensare ad un approccio semi-professionale di registrazione per strumenti e voce. A mio avviso è un microfono con un ottimo rapporto qualità-prezzo, poca spesa e tanta resa!

Caratteristiche Principali:
Diagramma Polare: Cardioide
Risposta in frequenza: 20Hz – 22KHz

CUFFIE

Le cuffie sono spesso uno dei primi acquisti fatti per il proprio home studio perché oltre ad essere più economiche delle casse monitor, sono più pratiche dato che non necessitano di configurazioni o posizionamenti particolari, e consentono un ascolto più asciutto, evitando la spesa per il trattamento acustico della nostra stanza.                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                              

Esistono moltissimi modelli che variano per dimensioni e fasce di prezzo. Di seguito propongo alcuni modelli abbastanza economici con un costo che varia dai 30€ ai 130€.
Si tratta di cuffie circumaurali, ossia con i padiglioni grandi abbastanza da contenere al loro interno i padiglioni auricolari per intero, o quasi, quindi più adatte per lunghe sessioni di lavoro. Il mio consiglio è di acquistare due diverse tipologie di cuffie, una con padiglioni chiusi che ci garantisce un maggiore isolamento acustico in fase di registrazione permettendoci di ascoltare il mix in cuffia mentre cantiamo ed evitano che il suono riprodotto finisca nei microfoni rovinando la take di registrazione.
Avremo poi bisogno di un’altra cuffia con padiglioni aperti o semi aperti che si comporti in maniera opposta alle chiuse, in grado di offrire un isolamento minimo da e verso l’esterno, con un suono più naturale. In questo modo riusciremo a lavorare in maniera corretta durante le fasi di mastering o “mixaggio”.

Cuffie chiuse
Se intendete spendere poco ma disporre di una buona soluzione, vi consiglio senza alcun dubbio le AKG K92. Hanno i padiglioni chiusi, quindi sono più indicate in monitoraggio durante la registrazione. Sono leggerissime e comode grazie alla regolazione automatica operata da una banda elastica che consente di adattare le cuffie a ogni capo. Un altro modello che vi consiglio, sulla stessa fascia di prezzo, sono le Audio Technica PRO ATH-M30X , prodotto affidabile sia per l’ascolto casalingo che in studio. Stabili e molto leggere, con un design accattivante e materiali di qualità. Sono cuffie di notevole solidità in quanto a risultati, grande maneggevolezza, ottima capacità d’isolamento e chiarezza di suono.
Se invece intendete spendere poco di più, sempre restando sotto i 100 €, farei un pensierino per le AKG K271 MKII. Cuffie leggere e comode che offrono un buon isolamento acustico dai rumori esterni. Sono famose e molto apprezzate per la qualità audio: suono fedele, lineare e dettagliato.
Per questo sono tra le cuffie monitor più apprezzate tra musicisti. Vale davvero la pena spendere qualcosina in più e averle nel proprio studio! “Money’s Worth”.

Cuffie semi-aperte/aperte
È molto difficile trovare delle cuffie aperte di buona qualità. Non è un caso che tutti i modelli sotto i 100 € sono della tipologia “chiusa”. Questo ci fa capire che la loro priorità è l’isolamento a scapito della qualità di riproduzione, caratteristica ideale per il monitoraggio in fase di registrazione, ma non di certo per il mixaggio. Tuttavia c’è un’eccezione: le SAMSON SR850. Ad un prezzo irrisorio avremo delle cuffie semi-aperte davvero versatili, comode, con un suono autentico e naturale. Nonostante il loro modesto prezzo, sono cuffie valide per lavorare in fase di mixing in quanto il design semi-aperto permette di evitare la risonanza delle basse frequenze, restituendo un suono più pulito e lineare. Se siete disposti a spendere di più e fare un considerevole salto di qualità, allora vi consiglio le AKG K240 MKII, uno dei migliori prodotti per il rapporto qualità prezzo. Cuffie comode e di buona qualità, principalmente sviluppate per lavori professionali come il mixing ed il mastering. Sono dotate di un doppio tranduttore Varimotion che garantisce una corretta riproduzione riproduzione di tutta la gamma di frequenze in maniera chiara, fedele e precisa evitando distorsioni del segnale e reagendo in maniera molto rapida a stimoli di bassa frequenza.

CASSE MONITOR

La caratteristica principale di questa tipologia di casse è la capacità, più o meno marcata, di offrire un ascolto il più neutro e lineare possibile, in grado di restituire con grande fedeltà l’impronta timbrica e dinamica di qualsiasi brano, aspetto fondamentale per far suonare bene i propri mix in tutti i sistemi di diffusione sui quali verranno riprodotti. I modelli che vi propongo in questa sezione sono a mio avviso tra i migliori nel rapporto qualità-prezzo, monitor dal prezzo contenuto ma in grado di garantirvi ottime prestazioni. Si tratta di casse di piccole dimensioni, adatte ad ambienti grandi e piccoli, utilizzabili sia per la produzione che per la post-produzione (editing, mixaggio, finalizzazione).

Yamaha HS5

Yamaha Hs5
Le Yamaha HS5 sono casse dal design pulito e con una gamma di bassi un po’ debole ma fantastiche sulle frequenze medio-alte. Insomma, con queste casse avremo un mix che suonerà molto bene sulle medio-alte, ossia le zone più importanti che rendono piacevole o meno la percezione di un brano.
KRK Rokit 5 G4
Le KRK Rokit 5 G4 sono l’ideale per chi cerca il punto d’incontro tra un buon suono e un soddisfacente rapporto qualità-prezzo. A differenza delle Yamaha HS5 suonano pieni e caldi nelle basse frequenze mentre gli alti denotano la mancanza di precisione: sebbene risultino chiari, non forniscono lo stesso livello di dettaglio che si può trovare su altri monitors da studio. La particolarità di questi monitor da studio è lo schermo LCD sul retro per la correzione visiva dell’equalizzazione della stanza e la modifica delle impostazioni che stai apportando al suono.
Adam Audio T5V
Le Adam Audio T5V sono tra i migliori monitor da studio economici. Rappresentano il punto di partenza ideale per chi registra a casa e cerca un ascolto di qualità senza spendere una fortuna. Hanno una buona estensione frequenziale, sono molto pulite sulle alte e grazie alle dimensioni del woofer sono un’ottima soluzione anche per ambienti di piccole dimensioni.

FILTRI ANTI RIFLESSO

Per trattare acusticamente una stanza in maniera definitiva, i soldi da spendere sono molti.
Ma per correggere qualche problemino, magari non in maniera definitiva, possiamo ricorrere all’utilizzo di filtri anti riflesso. Ci tengo a ribadire che non otterremo la stessa qualità di un trattamento acustico vero e proprio ma se il nostro home recording studio è nella nostra camera da letto, nel soggiorno di casa, allora l’utilizzo di questi pannelli è d’obbligo! I filtri anti riflesso isolano l’area intorno al microfono, riducendo i rumori ambientali e le interferenze causate dall’acustica degli ambienti non trattati.

Esistono moltissime soluzioni economiche che ritengo valide. Ve ne propongo tre che ho utilizzato ottenendo risultati soddisfacenti. L’ultima è abbastanza costosa ma non ha eguali.

1. Marantz Sound Shield
2. The t.bone Micscreen XL
3. Aston Microphones Halo

Concludo specificando che qualora gli articoli proposti non fossero disponibili nel link che vi ho indicato, potrete acquistarli sui noti negozi online come Thomann o Strumenti musicali.

Grazie mille per il vostro tempo, al prossimo articolo!

Andrea Scacchioli
Cantante | Vocal Coach | Vocologo Artistico

L’importanza dell’idratazione per la nostra voce
La disidratazione sistemica e superficiale del nostro corpo può quindi avere ripercussioni sullo strumento voce alterando le proprietà viscoelastiche della mucosa, con conseguenze dannose sulle misure aerodinamiche e acustiche della fonazione. Condizioni di disidratazione sono da evitare in quanto aumentano lo sforzo vocale.
Da un’alterata idratazione mucosa possono infatti scaturire alcuni comportamenti traumatici per le corde vocali come la necessità di schiarire la voce o la necessità di tossire spesso per liberarsi dal muco in eccesso, abitudini che generano attrito o urto tra le corde vocali. In queste condizioni si rischia di irritare le corde in quanto il cantante, avvertendo poca elasticità vocale, ha la necessità di utilizzare una maggiore pressione in fase di emissione. Ciò induce spesso il performer ad atteggiamenti vocali ipercinetici e lo può esporre a problemi di salute vocale.

L’idratazione delle corde vocali si può ottenere in due modi: a livello sistemico e locale.

• Idratazione sistemica: consiste in una corretta assunzione di liquidi per via orale e consente uno stato di idratazione ottimale ai tessuti costituenti le corde vocali.
  Bere il giusto quantitativo di acqua (almeno 2 litri di acqua al giorno a temperatura ambiente) permette di idratare correttamente tutti i tessuti del nostro corpo, di conseguenza anche quelli delle corde vocali. Tuttavia non si tratta di un processo istantaneo, occorre del tempo affinché l’acqua bevuta venga assorbita. Per dare tempo all’organismo di assorbire l’acqua, essa va introdotta nel corpo gradualmente senza berne grandi quantità. Si consiglia un bicchiere d’acqua ogni ora
• Idratazione locale: l’ispirazione di aria umidificata consente di incrementare l’idratazione superficiale delle corde vocali arricchendo il sottile film acquoso che normalmente riveste le mucose del vestibolo laringeo e della glottide e contribuisce ad una maggiore elasticità e morbidezza alla lamina propria delle corde vocali.
  Il modo più efficace per ottenere una buona idratazione superficiale delle corde è tramite inalazioni umidificate (aerosol) o inspirazioni attraverso garze umide.
  La respirazione attraverso garze umidificate durante vocalizzazioni, in particolare, è un’ottima pratica prima di svolgere una intensa attività vocale/performance in quanto aiuta a ridurre la sensazione di fatica o di tensione. Tale pratica sembrerebbe apportare notevoli benefici: un aumento di ampiezza e regolarità dell’onda mucosa, una riduzione dello sforzo fonatorio e minore rischio di traumatismi vocali da sforzo.

  Oltre alla garza umida, una soluzione interessante che utilizzo e consiglio, soprattutto per contrastare la secchezza dovuta alla disidratazione per l’aria particolarmente secca, è la maschera da viaggio humidiflyer. Essa risulta infatti molto utile durante viaggi in areo, ambiente in cui l’aria è particolarmente secca.
  Si tratta di una maschera con un filtro in schiuma capace di intrappolare l’umidità espirata dal respiro per poi utilizzarla in fase di inspiro per umidificare l’aria secca della cabina. Ciò consente all’aria che respiriamo di rimanere umida, prevenendo la disidratazione che contribuisce al jet lag e alle infezioni (naso secco, mal di gola etc.).

Lubrificazione
Una buona lubrificazione ha un effetto coadiuvante all’idratazione, sostenendone l’efficacia e la durata nel tempo. La lubrificazione prevede l’impiego di sostanze con qualità di surfattante (ovvero con la capacità di ridurre la tensione superficiale dell’acqua, facendola adattare alle superfici). Tali sostanze favorirebbero un miglioramento delle proprietà di elasticità e viscosità dell’epitelio cordale. Per ottenere una buona lubrificazione cordale si può ricorrere a diverse pratiche come: vocalizzare tenendo nel cavo orale (fonare senza deglutire per qualche minuto) sostanze con qualità di surfattante come il gel di pectina con Aloe vera; trattenere la saliva in gola mentre si parla (per qualche minuto); tenere in bocca frutta (es. parte della mela vicina al torsolo) e verdura. Una buona lubrificazione avrebbe un effetto coadiuvante all’idratazione, sostenendone l’efficacia e la durata nel tempo.

Consigli per ottimizzare l’idratazione:

• Bere almeno 2 litri d’acqua al giorno per mantenere il corpo e la voce in buona salute.
• Idratarsi costantemente. Non bere solo quando si ha sensazione di sete o prima della performance, né aspettare di aver la gola secca.
• È preferibile completare il proprio fabbisogno di liquidi due ore prima della performance, così che al momento di cantare sia certo lo svuotamento gastrico e il transito intestinale abbia già provveduto all’assorbimento dell’acqua, limitandosi a bere qualche sorso nei momenti di pausa.
• Assumere pastiglie a base di glicerina o sali termali che possono aiutare a stimolare la salivazione e mantenere il cavo orale o la gola umettati
• Effettuare docce prolungate o in sauna quando la voce è stanca, o quando è in corso una flogosi o temporanea irritazione delle mucose. Umidificare l’ambiente e le mucose (suffumigi e oli balsamici).
• Evitare o limitare bevande e sostanze che abbiano effetto diuretico, compreso alcolici, caffeina, e non far uso indiscriminato di integratori dietetici.
• Idratazione, umidificazione, lubrificazione sono pratiche indispensabili in quanto migliorano disfonie di qualunque entità, favoriscono il processo di riparazione dopo la fonochirurgia e consentono che anche la voce nella «norma» si manifesti nel pieno delle sue potenzialità.

Idratazione, umidificazione, lubrificazione sono pratiche indispensabili in quanto migliorano disfonie di qualunque entità, favoriscono il processo di riparazione dopo la fonochirurgia e consentono che anche la voce nella «norma» si manifesti nel pieno delle sue potenzialità.

Se hai dubbi e/o sei interessato ad approfondire l’argomento, lascia un commento oppure inviami un messaggio nella sezione contatti (anche tramite Whatsapp).

Grazie per la lettura, al prossimo articolo!

Andrea Scacchioli
Cantante | Vocal Coach | Vocologo Artistico

[Fonti]
– Metodo Propriocettivo Elastico (PROEL) per il trattamento dei problemi della voce (I, II, III, IV, V), 2017.
– Giulio Massimiliano Garghentini, Andrea Scacchioli – Dalla lezione di canto al palco: il giorno del concerto, 2023.
– S. Magnani – Idratazione nel professionista della voce,  www.silviamagnani.it , 2017.
– M. Fantini – Idratazione e voce: cosa sappiamo e cosa c’è da scoprire?  https://marcofantini.net/, 2020.

Andrea Scacchioli ha 37 anni, è nato a Teramo e svolge la professione di Cantante, Vocal Coach e Vocologo Artistico. È un libero professionista e il suo target comprende sia appassionati (in soul, pop e rock) che professionisti della voce come docenti di canto e performer.

Ai professionisti, Andrea impartisce lezioni individuali come vocal coaching, vocal training ed english for singing. L’obiettivo è quello di creare un percorso personalizzato, in base agli obiettivi di chi si affida a lui.

Andrea ha iniziato a studiare canto in giovanissima età. Complici le molteplici esibizioni dal vivo con le sue band e l’apprendimento di metodi e tecniche vocali in Italia e all’estero: Milano, Londra, Sydney, Melbourne, Berlino… In queste città si è potuto confrontare con vocal coach di fama mondiale, che lo hanno aiutato ad elevare le proprie conoscenze.

La sua forte voglia di imparare e dare il meglio di sé, lo ha spinto a frequentare numerosi workshop, master class, corsi di insegnamento sulla voce e l’aver ottenuto diplomi e certificazioni prestigiose in didattica del canto come: Master in Vocologia Artistica e il VOICEtoTEACH®.

Collaborare con le altre figure professionali, innalza il valore del professionista. Ad esempio Andrea, conscio del fatto che non può dedicarsi ad ogni cosa, grazie alla conoscenza di foniatri, posturologi e logopedisti, in alcuni casi suggerisce tali figure ai suoi allievi affinché possa dedicarsi ad essi la figura competente.

Entusiasmo, competenze ed esperienze, sono alla base di questo lavoro. Andrea cerca di trasferire energia, determinazione e passione. Il suo obiettivo è rendere le persone più felici, aiutandole a raggiungere il loro obiettivo: migliorare la tecnica vocale per esprimere al meglio le proprie emozioni.

Andrea Scacchioli – Vocal Coach (Teramo)

Il canto non è una scienza esatta, ma un’arte che si esprime attraverso la “risonanza” degli stati d’animo e le emozioni dell’individuo. Non esiste un numero preciso di esercizi, soltanto un training graduale e strutturato su misura può condurre il soggetto a raggiungere ottimi risultati anche nel breve termine.

Aspetti determinanti per ottenere una maggiore consapevolezza nel controllo e gestione della voce sono: passione, determinazione, predisposizione all’ascolto e al confronto e, soprattutto, allenamento quotidiano.

Su quali basi si può scegliere una buona scuola di canto?

Uno degli errori più grandi, che si commette con maggior frequenza è scegliere un’accademia o scuola di canto senza informarsi sulle competenze del docente di canto. Secondo Andrea, è importantissimo conoscere la persona con la quale intendiamo studiare. La voce è uno strumento delicato e infinitamente vulnerabile.

Bisogna essere certi di affidare la propria voce ad un esperto di voce con una buona esperienza in didattica del canto.

Un valido insegnante, oltre a possedere una solida tecnica vocale che gli consente di dimostrare attraverso la pratica quanto intende impartire teoricamente agli studenti, dovrebbe avere conoscenze approfondite sulla fisiologia della voce ed una spiccata capacità d’ascolto per riconoscere la corretta emissione dei suoni ed eventualmente correggere le tendenze vocali dell’allievo per evitare l’insorgere di patologie alle corde vocali.

Infine, nella scelta di un corso o insegnante di canto, non bisogna commettere l’errore di basare la propria scelta esclusivamente sul fattore economico: se pensi che un professionista ti costi troppo, non sai quanto ti costerà un dilettante.

Quanto è importante scegliere il giusto approccio nello studio della voce?

La voce è uno strumento delicato e profondamente vulnerabile. Per questo motivo, Andrea consiglia vivamente di affidarsi a un professionista della voce, evitando il fai da te o l’apprendimento esclusivo tramite video tutorial online.

L’acquisizione di alcune competenze vocali — come la respirazione, l’equilibrio vocale ed una postura funzionale al canto — richiede infatti un lavoro corretto, graduale e personalizzato.

Ogni persona necessita di un training vocale specifico, costruito ad hoc in base alla propria tendenza e natura vocale.
Non esiste un eserciziario adattabile ed efficace allo stesso modo per tutti.

Per questo motivo, soprattutto all’inizio, è sempre consigliabile farsi seguire da un insegnante qualificato.

In merito ai metodi di canto, ne esistono moltissimi.
Andrea, avendo studiato diverse tecniche e metodologie vocali, si sente di consigliare un approccio aperto e non dogmatico, che metta al centro la persona, la funzionalità vocale e le reali esigenze della performance, piuttosto che l’applicazione rigida di un unico metodo.

Andrea Scacchioli
Cantante | Vocal Coach | Vocologo Artistico

Articolo pubblicato da ProntoPro:

https://www.prontopro.it/blog/intervista-ad-andreascacchioli-vocalcoach