Molti cantanti arrivano a lezione con la sensazione di avere poca aria a disposizione: sentono di non riuscire a completare alcune frasi o alcuni punti più impegnativi del brano.
Da lì nasce quasi automaticamente l’idea: “Devo respirare di più”.

In alcuni casi può esserci una difficoltà reale nella gestione del fiato. Ma molto spesso il punto non è semplicemente quanta aria entra ma come il corpo si prepara ad accogliere il suono.

Nel canto, l’inspiro non dovrebbe essere soltanto una presa d’aria. Dovrebbe già preparare lo spazio, il tono muscolare, l’appoggio e l’elasticità attraverso cui la voce potrà fluire con maggiore continuità.

Prima ancora di emettere una nota, il corpo ha già iniziato a predisporre il terreno da cui quella nota nascerà. Se questo momento è casuale, rigido o scollegato dalla frase, la voce rischia di partire già in svantaggio. Se invece l’inspiro prepara un assetto più funzionale, il suono trova una condizione più favorevole per nascere, restare stabile e muoversi nella frase.

La sequenza è semplice, ma molto importante:

Inspiro → assetto → suono

Non si tratta di respirare tanto ma di respirare in modo utile.

L’ISTANTE PRIMA DEL SUONO

C’è un istante, prima di cantare, che spesso viene sottovalutato.

È quel momento in cui sembra che non stia ancora accadendo nulla, ma il corpo sta già creando lo spazio necessario alla frase che sta per arrivare.

Ogni frase ha una richiesta diversa, e il corpo dovrebbe prepararsi in modo coerente con ciò che sta per cantare.

Il problema è che molti cantanti inspirano sempre nello stesso modo: spesso prendono aria senza preparare l’assetto che dovrà sostenere la frase, e poi cercano di sistemare tutto quando la voce è già in movimento.

Quando l’inspiro è teso, povero di spazio o troppo controllato, la voce parte già con meno libertà. La frase nasce da un corpo meno disponibile e il cantante può ritrovarsi a trattenere, spingere o correggere mentre sta già cantando.

Ecco perché il momento prima del suono merita attenzione. Non per rendere il canto più complicato, ma perché spesso è lì che la voce prepara una parte importante della sua libertà.

Da questa idea che nasce “RAIN”.

RAIN: PREPARARE IL CORPO PRIMA DELL’EMISSIONE

RAIN è un framework di preparazione inspiratoria, propriocettiva e attentiva.
Nasce per aiutare il cantante a entrare nel suono con un corpo più organizzato, più presente e meno dominato dal controllo.

Non è un metodo per “prendere più aria” e non è una sequenza rigida da applicare meccanicamente. È piuttosto un modo di portare attenzione a ciò che accade prima dell’emissione, quando il corpo prepara le condizioni da cui il suono prenderà forma.

RAIN lavora su quattro direzioni:

R — Respira
A — Ascolta
I — Immagina
N — Non giudicare

Sono parole semplici, ma non vanno lette in modo superficiale. Ognuna apre una zona precisa del lavoro vocale: la preparazione dello spazio, la percezione del sostegno, il mantenimento e lo sviluppo dello spazio durante la frase e la gestione dell’interferenza mentale.

La domanda non è più soltanto: “Ho preso abbastanza aria?”.

La domanda diventa: “Il mio corpo ha preparato l’assetto necessario per questa frase?”.

R — Respira: preparare lo spazio, non accumulare aria.

Il primo passaggio di RAIN è respirare, ma qui la parola “respira” va intesa bene.

Nel canto, respirare non significa riempirsi il più possibile, gonfiare il corpo o prepararsi come se si dovesse affrontare uno sforzo enorme.
Un inspiro troppo carico può diventare pesante, rigido, difficile da trasformare in suono.

Respirare in modo funzionale significa invece creare uno spazio utilizzabile. Uno spazio che non si chiude appena la frase inizia. Uno spazio che non costringe il cantante a spingere, trattenere o cercare la voce nella gola.

Quando l’inspiro prepara bene l’assetto, puoi sentire più spazio nella parte bassa del torace, un’espansione più elastica delle costole fluttuanti, meno intervento delle spalle e un collo più libero. Anche i fianchi e la parete addominale partecipano in modo più naturale, senza irrigidirsi. L’appoggio non diventa una posizione da tenere, ma una condizione viva da cui la frase può essere sostenuta con più facilità.

Questa differenza può sembrare sottile, ma per il cantante è enorme. Perché cambia il punto di partenza del suono.

La voce non ha bisogno di un corpo pieno d’aria. Ha bisogno di un corpo organizzato, elastico, disponibile alla frase che sta per nascere.

A — Ascolta: sentire il sostegno invece di “inseguirlo”.

Dopo l’inspiro, molti cantanti si concentrano subito sul suono e cercano di controllare troppo la parte meccanica del gesto. Vogliono essere sicuri che tutto sia al posto giusto, ma proprio quel controllo eccessivo può togliere naturalezza a ciò che stanno facendo.

Il rischio è che l’attenzione diventi troppo mentale.

In RAIN, ascoltare significa restare un attimo in contatto con ciò che l’inspiro ha prodotto nel corpo, senza trasformare subito quella sensazione in controllo o giudizio.

Dove senti più spazio?
Dove percepisci sostegno?
Il corpo accompagna il respiro o tende già a trattenere qualcosa?
Senti che la frase può partire da un appoggio più stabile?

Questo ascolto non è teorico. Non riguarda il “sapere” cosa dovrebbe accadere, ma il riconoscere fisicamente cosa sta accadendo.

È una forma di propriocezione applicata al canto: non serve a controllarti di più, ma a diventare più consapevole del gesto che precede il suono.

Prima ancora di intervenire, bisogna sentire. Perché se non riconosci quando il corpo sta offrendo un sostegno stabile e funzionale al suono, diventa difficile ricreare quella condizione con continuità.

I — Immagina: dare continuità alla frase.

Il terzo passaggio è immaginare, ma anche qui bisogna evitare un equivoco.

Immaginare non significa aggiungere una fantasia poetica sopra la tecnica. Non significa rendere il canto più “emozionale” in modo generico.
Nel lavoro vocale, una buona immagine serve quando aiuta il corpo e l’attenzione a mantenere una direzione.

Molti problemi vocali non nascono da una mancanza d’aria, bensì dall’incapacità di mantenere disponibile lo spazio preparato nell’inspiro mentre la frase procede. La difficoltà, infatti, non sta nel creare quello spazio iniziale, ma nel conservarlo per tutta la durata della frase: dopo poche sillabe l’assetto perde continuità, lo spazio si riduce, l’appoggio diventa meno elastico e il cantante finisce per compensare trattenendo, spingendo o cercando controllo nella gola.

Una visualizzazione efficace può aiutare a non interrompere quella continuità.
Può favorire la sensazione che lo spazio predisposto nell’inspiro rimanga disponibile e possa continuare a svilupparsi durante la frase, senza che il suono debba essere tirato fuori a forza e senza che il corpo debba irrigidirsi per sostenerne l’emissione.

Le immagini utili non sono uguali per tutti, perché ogni cantante percepisce il corpo e il suono in modo diverso. Ma spesso il risultato ricercato è simile:

• la frase non collassa dopo l’attacco;
• il suono resta più stabile;
• il corpo non si chiude subito;
• l’emissione non cerca il volume attraverso la spinta, ma lo ottiene più facilmente dallo spazio che riesce a mantenere disponibile;
• l’appoggio resta più elastico;
• la voce sembra avere più continuità.

Nel lavoro vocale, una buona immagine serve quando aiuta il corpo e l’attenzione a mantenere e sviluppare lo spazio predisposto durante l’inspirazione mentre la frase procede.

Quando quello spazio resta disponibile, la voce può trovare più presenza e potenza armonica senza dover essere spinta. Il volume non nasce necessariamente da un aumento di pressione: spesso è il risultato di un assetto più elastico, capace di sostenere meglio il movimento dell’aria e la continuità della frase.

N — Non giudicare: tornare al gesto quando arriva la paura.

Il quarto passaggio riguarda l’attenzione.

Ogni cantante conosce quel momento in cui una frase comincia a pesare prima ancora di essere cantata. Può succedere prima di una nota che ti preoccupa, di un attacco delicato, di un passaggio che in passato non è venuto come volevi o di una frase che senti particolarmente importante.

In quel momento la mente può entrare con forza.

“Qui sbaglio sempre.”
“Devo stare attento.”
“E se non esce?”
“Non devo perdere l’appoggio.”
“Questa nota mi preoccupa.”

Il problema non è avere pensieri. Sarebbe irrealistico pretendere di eliminarli. Il problema nasce quando quel giudizio modifica il corpo: il respiro si accorcia, la mandibola trattiene, il collo si irrigidisce, la gola si prepara a difendersi e l’attenzione si restringe proprio nel punto in cui avrebbe bisogno di restare disponibile.

In RAIN, “non giudicare” non significa ignorare la difficoltà o convincersi artificialmente che andrà tutto bene. Significa riportare l’attenzione su ciò che stai costruendo: lo spazio che resta disponibile, l’assetto che sostiene la frase, il mantenimento del gesto e il suono che prende forma senza essere forzato.

Il giudizio porta il cantante fuori dal gesto. Il compito lo riporta dentro.

Questa è una distinzione fondamentale, soprattutto quando si canta sotto pressione. Perché spesso il cantante non ha bisogno di pensare di più: ha bisogno di orientare meglio l’attenzione.

Quando riesci a tornare al gesto concreto, la mente smette di occupare tutto lo spazio e il corpo può tornare a partecipare in modo più libero.

PERCHÉ PREPARARE IL SUONO PRIMA DEL SUONO CAMBIA L’ESPERIENZA DEL CANTO

Preparare il suono prima del suono significa riconoscere che la voce non parte mai separata dal corpo. Prima di ogni frase c’è già un assetto che può sostenerla, oppure renderla più difficile: può creare spazio e stabilità, oppure portare nell’emissione tensione, fretta, paura o bisogno di controllo.

RAIN lavora esattamente lì: in quel momento breve ma decisivo in cui il cantante può imparare a riconoscere il proprio assetto, preparare meglio lo spazio e arrivare alla frase con un corpo più disponibile. Non per complicare il canto, ma per togliere automatismi inutili e aiutare il cantante a entrare nella frase con più presenza.

Quando questo lavoro inizia a essere integrato, il cantante può percepire cambiamenti importanti:

• maggiore stabilità all’attacco;
• meno compensazioni;
• frase più continua;
• corpo meno rigido;
• appoggio più vivo;
• attenzione più orientata;
• minore interferenza del giudizio;
• più fiducia nel gesto vocale.

Naturalmente non si tratta di una scorciatoia e non sostituisce il lavoro tecnico vocale. RAIN è un modo per preparare meglio il gesto vocale, collegando inspirazione, corpo, percezione e attenzione.

Per questo imparare a osservare ciò che accade prima dell’emissione è così importante. Una frase non diventa difficile solo mentre la stai cantando: spesso arriva già condizionata da come il corpo si è preparato, da quanto spazio è riuscito a mantenere, da quanta elasticità c’è nell’appoggio e da quanto controllo mentale è entrato prima del suono.

Quando inizi a guardarlo in questo modo, quel momento smette di essere un dettaglio e diventa una parte concreta del lavoro vocale.

Vuoi scoprire come applicare RAIN alla tua voce?

RAIN è uno degli approcci che utilizzo all’interno delle mie lezioni di canto e dei percorsi di vocal coaching.

Se ti capita di sentire alcune frasi più difficili ancora prima di cantarle, se percepisci che il corpo si chiude, che il respiro diventa meno libero o che inizi a cercare più aria quando invece servirebbe un assetto più funzionale, questo lavoro può aiutarti a capire meglio cosa accade e come intervenire.

Per approfondire RAIN e scoprire come applicarlo alla tua voce, puoi scrivermi o contattarmi direttamente attraverso il sito.

Perché il suono non comincia solo quando lo emetti.
Comincia anche da come ti prepari a lasciarlo fluire.

Perché?
Uno dei motivi principali, a mio avviso, è il voler imparare bene e in fretta una pratica che in realtà richiede tempo, studio, propriocezione ed elasticità.
A malincuore noto sempre più “esperti” che propongono esercizi fai da te e dispensano consigli online su come produrre/attivare tali suoni senza avere la benché minima consapevolezza dell’argomento in questione.

Il Risultato?   
Nella maggior parte dei casi vengono diffuse numerose inesattezze: gli esempi proposti sono spesso sbagliati sia dal punto di vista tecnico-pratico che teorico (ossia nella definizione stessa dei suoni emessi). Questo fenomeno ormai assai diffuso soprattutto grazie ai social, oltre che a denotare una scarsa conoscenza dell’argomento, genera tanta confusione. Inoltre tutta questa approssimazione causa spesso episodi di rigidità e tensione vocale a tutti quei “malcapitati” che provano a mettere in pratica tali consigli nel tentativo di emulare quei suoni.

La Volpe e L’Uva
Altro motivo che crea confusione sull’argomento, forse il più preoccupante, è legato alla errata concezione di una vasta fetta degli “addetti ai lavori” legata all’argomento.  Molti infatti credono che chi distorce la voce stia semplicemente urlando o “rovinando” la propria voce, indice di una mancanza di tecnica vocale quando è ormai ben noto che sia dal punto di vista tecnico che artistico, la distorsione vocale è una tecnica specifica che richiede abilità, e non un semplice urlo causato da incapacità vocale.

A volte sarebbe opportuno ammettere con onestà, soprattutto da parte di chi opera nel settore, di non conoscere l’argomento piuttosto che emettere sentenze senza cognizione di causa soltanto perché non si hanno le competenze adeguate per eseguire certe tecniche.

Se la distorsione provoca dolore, raucedine o tensione, significa che non è eseguita correttamente e non che sia una tecnica sbagliata a prescindere.

Yes You Can!     
È quindi possibile imparare a usare le distorsioni vocali in totale sicurezza tramite il supporto di insegnanti/vocal coach/vocal trainer esperti in materia.
Per i motivi sopra elencati, al fine di fare più chiarezza e creare maggiore consapevolezza sul tema distorsioni vocali, ho proposto al mio foniatra – Il Dr. Enrico Di Lorenzo – di elaborare un workshop teorico-pratico che trattasse in maniera approfondita l’affascinante quanto complesso mondo della voce distorta.

Enrico Di Lorenzo è un Medico Chirurgo, specialista in Audiologia e Foniatria, Foniatra Artistico, e non in ultimo cantante degli Hideous Divinity  con attività decennale in Europa, Nord America, Russia, Giappone.

Per saperne di più, leggere l’intervista a Enrico Di Lorenzo “Il Medico chirurgo Death Metal” a cura di METAL ITALIA. 👉🏾 INTERVISTA 👈🏻

Video playthrough realizzato con throat cam per “When Flesh Unfolds”, pezzo estratto dall’album “Adveniens” degli Hideous Divinity ⬇️ ⬇️ ⬇️

“Con questo video dò la possibilità anche a chi ha seguito i miei studi solo dal punto di vista scientifico e non artistico di vedere realmente con che velocità avvengono i passaggi da una posizione risonanziale all’altra e come si comportano le strutture laringee e faringee in relazione all’articolazione e alla respirazione durante una vera canzone, con tutte le esigenze tecniche e espressive del caso”.

Se tutto ciò ti affascina, suscita interesse e/o vorresti approfondire l’argomento, ti consiglio vivamente di partecipare al workshop 𝑫𝑨𝑳𝑳’𝑨𝑹𝑻𝑬 𝑨𝑳𝑳𝑨 𝑺𝑪𝑰𝑬𝑵𝒁𝑨 – 𝑰𝒍 𝒄𝒂𝒏𝒕𝒐 𝒆𝒔𝒕𝒓𝒆𝒎𝒐, 𝒍𝒆 𝒈𝒓𝒂𝒇𝒇𝒊𝒂𝒕𝒖𝒓𝒆 𝒗𝒐𝒄𝒂𝒍𝒊 𝒆 𝒍𝒆 𝒗𝒐𝒄𝒊 𝒔𝒐𝒗𝒓𝒂𝒈𝒍𝒐𝒕𝒕𝒊𝒄𝒉𝒆.

Per maggiori INFO sul workshop inviare un messaggio ai seguenti contatti:

📲 3298166647
📧 andrea.scacchioli@gmail.com

Grazie per la lettura, al prossimo articolo!

𝐀𝐧𝐝𝐫𝐞𝐚 𝐒𝐜𝐚𝐜𝐜𝐡𝐢𝐨𝐥𝐢
𝐶𝑎𝑛𝑡𝑎𝑛𝑡𝑒 | 𝑉𝑜𝑐𝑎𝑙 𝐶𝑜𝑎𝑐ℎ | 𝑀𝑒𝑛𝑡𝑎𝑙 𝐶𝑜𝑎𝑐ℎ
𝐸𝑠𝑝𝑒𝑟𝑡𝑜 𝑖𝑛 𝑉𝑜𝑐𝑜𝑙𝑜𝑔𝑖𝑎 𝐴𝑟𝑡𝑖𝑠𝑖𝑡𝑐𝑎 𝑒 𝑛𝑒𝑙 𝑀𝑒𝑡𝑜𝑑𝑜 𝑃𝑅𝑂𝐸𝐿

Nel 2022-2023 ho partecipato al Master Universitario nel Metodo Propriocettivo Elastico PROEL.
Si tratta di un corso di Alta Formazione impartito dal Centro di Foniatria e Logopedia del Dr. Alfonso Borragán Torre ed erogato dalla UIMP (Università Internazionale Menéndez Pelayo).

Il Prof. Alfonso Borragán è un professionista formidabile ed una persona che sprizza energia da tutti i pori. Il suo approccio si basa sulla totale sperimentazione e osservazione dei risultati con uno spirito di condivisione e confronto unici, con l’obiettivo di stimolarti alla sperimentazione e a fare ricerca vocale.

Il metodo PROEL parte dal presupposto secondo il quale la voce è elasticità, quindi l’obiettivo principale è portare il corpo alla massima elasticità basandosi sull’aumento della propriocezione. Quando si raggiunge l’elasticità, la voce parlata o cantata può ottenere il massimo rendimento con il minimo sforzo.

Per me l’esperienza PROEL ha avuto un significato importante: rappresenta un periodo di crescita personale e professionale di valore inestimabile. Durante il corso ho avuto modo di esplorare gli enormi benefici che la voce ottiene quando il corpo si trova in condizioni di massima elasticità. In particolare, ho osservato come alcuni esercizi del PROEL agiscono su dinamiche psicomotorie capaci di agevolare la produzione vocale del cantante.
Il cantante si trova nella condizione di fare senza pensare e preoccuparsi del risultato finale: semplicemente fai e vedi cosa succede! Questo approccio ha senz’altro effetti interessanti e positivi sul rendimento della voce.
Nella maggior parte dei casi infatti si ottiene una notevole energia vocale che si traduce in maggiore risonanza, facilità e libertà di emissione.
L’obiettivo degli esercizi PROEL non è trasferire competenze tecniche al cantante bensì risvegliare il corpo/voce tramite un’esperienza, l’esposizione e la pratica, spesso senza una consapevolezza immediata.

LA RICERCA

Effettuando alcuni di questi esercizi con i miei allievi ho notato spesso l’attivazione di un processo che, se ripetuto nel tempo, porta il cantante a percepire delle sensazioni, elaborarle e riprodurle in maniera istintiva. Alla luce di queste considerazioni, mi sono posto una domanda: “Possono alcuni esercizi che agiscono sul principio dell’elasticità rappresentare nel breve periodo un valido supporto per i cantanti che sostengono performance canore ad alta intensità?
Per ottenere una risposta a questa domanda ho deciso di coinvolgere nove cantanti in una ricerca sperimentale con l’obiettivo di sviluppare un training per supportare la loro intensa attività live.
Per verificare tale ipotesi è stata adottata una metodologia basata sulla comparazione dei risultati relativi alla fase pre e post training tramite l’utilizzo di esercizi PROEL, test di valutazione e autovalutazione.

Lo studio è stato strutturato in tre fasi.

1° FASE
In questa fase preliminare ai partecipanti è stato chiesto di compilare un questionario anamnestico sulla salute vocale; un questionario “Criticità della performance” con lo scopo di raccogliere informazioni sulle loro abitudini prima del concerto (riscaldamento vocale, alimentazione) e di individuare eventuali difficoltà nella gestione atletica della performance vocale (prima, durante, dopo il concerto).
I cantanti hanno svolto il loro regolare allenamento vocale prima della performance e, il giorno del concerto, hanno registrato per intero la loro esibizione live.
Per finire, il giorno seguente hanno compilato il test di autovalutazione relativo alla performance.

2° FASE
Nella seconda fase, ossia il periodo antecedente alla seconda performance canora, i cantanti si sono sottoposti al training per 15-20 giorni svolgendo gli esercizi due volte al giorno.

3° FASE
Questa ultima fase comprende le procedure e i test effettuati dopo il training.
Nello specifico i partecipanti hanno registrato per intero la seconda performance vocale ed il giorno seguente l’esibizione live hanno svolto di nuovo il test di autovalutazione relativo alla performance.

RISULTATI E CONCLUSIONI

Tutti i dati raccolti sono stati analizzati e comparati tramite l’osservazione dei test di autovalutazione dei cantanti e i test di valutazione da parte di una giuria di esperti di voce (Foniatri, Logopedisti, Insegnanti di canto). La parte più interessante della ricerca è costituita dalla valutazione da parte di un gruppo di sei esperti basata su ascolti random delle tracce audio (relative alla fase pre e post training) registrate durante le performance canore di ciascun partecipante.
I parametri oggetto di valutazione sono stati: intonazione, benessere vocale a fine concerto, benessere fisico a fine concerto, agilità vocale, proiezione, risonanza, controllo vocale, leggerezza, fiato.

I risultati ottenuti dal giudizio degli esperti e dai test di autovalutazione dei cantanti hanno conferito un’importante validità al lavoro svolto durante la fase del training vocale.
I dati raccolti hanno evidenziato in generale notevoli miglioramenti nelle voci di tutti i cantanti: dai punteggi assegnati dalla giuria di esperti è stato registrato infatti un notevole incremento medio complessivo della fase post rispetto al pre. I parametri col miglior margine di crescita (da pre a post) sono risultati proiezione e risonanza.
Tale tendenza è stata rilevata anche dai test di autovalutazione dei cantanti dove il parametro risonanza è aumentato maggiormente rispetto agli altri da pre a post.

In conclusione, l’allenamento svolto ha avuto un impatto positivo sulle performance dei cantanti rivelandosi un valido alleato del performer che svolge un’intensa attività canora.
Infatti, tutti i cantanti nella seconda esibizione hanno percepito una maggiore risonanza, disponibilità di fiato, facilità di emissione e resistenza fisica/vocale rispetto alla prima.
I risultati della ricerca sono stati davvero incoraggianti e hanno arricchito le mie competenze in ambito didattico. Grazie a questo studio, non solo ho potuto aggiungere alla mia didattica nuovi spunti, idee e strumenti, ma sono riuscito a comprendere l’importanza dell’energia del corpo e la sua stretta relazione con la voce.

La voce è l’espressione del corpo. Soltanto un corpo elastico riesce a produrre una voce elastica, ossia libera, potente e agile.

Last but not least, il 5 Settembre 2024 ho avuto l’onore ed il piacere di presentare la ricerca in occasione della Conferenza Internazionale sulla voce PEVoC 2024 a Santander (Spagna).

TESTIMONIANZE DI ALCUNI PARTECIPANTI ALLA RICERCA

Elisa Ferraguti (Cantante, Insegnante di canto)
“Il training sembra aver avuto un effetto complessivo sulle varie funzionalità della voce.
Il tutto è stato più armonico e fluido.”

Sefora De Canistris (Cantante, Insegnante di canto)
“Grazie al training svolto avrei potuto cantare altre canzoni.
Mi sembrava di avere tutto pronto con tempi di riscaldamento vocale brevi.”

Roberto Cenci (Cantante)
“Ho notato un miglioramento rispetto al concerto precedente,
non ho avvertito alcuna necessità di sforzare la voce durante la performance.
Nessuna stanchezza pre e post concerto, voce rimasta pressoché inalterata rispetto all’inizio.”

Se sei un cantante/performer e vuoi saperne di più sul mio approccio didattico, clicca sul tasto sotto o inviami un messaggio nella sezione del sito Contatti.

𝐌𝐚𝐬𝐭𝐞𝐫 Cl𝐚𝐬𝐬 𝐝𝐢 𝐂𝐚𝐧𝐭𝐨 rivolta a cantanti ed insegnanti di canto che si terrà 𝐒𝐚𝐛𝐚𝐭𝐨 20 𝐀𝐩𝐫𝐢𝐥𝐞 𝐝𝐚𝐥𝐥𝐞 𝟏𝟓:𝟎𝟎 𝐚𝐥𝐥𝐞 𝟏𝟖:𝟎𝟎 presso la Scuola di Teatro DRAMA in📍Via Matteo Da Leonessa, 14 (Torretta) – L’Aquila.

La 𝐌𝐚𝐬𝐭𝐞𝐫 𝐂𝐥𝐚𝐬𝐬 intende esplorare il complesso e affascinante mondo della 𝐯𝐨𝐜𝐞 𝐜𝐚𝐧𝐭𝐚𝐭𝐚 tramite un approccio teorico e pratico basato su ricerche in ambito didattico-scientifico, sperimentazione, formazione continua ed esperienze dirette sul palco. Lo strumento voce sarà approfondito ed analizzato in tutti i suoi aspetti principali in maniera chiara e semplice al fine di coinvolgere tutti i partecipanti.

Ecco alcuni degli 𝐚𝐫𝐠𝐨𝐦𝐞𝐧𝐭𝐢 che verranno trattati durante l’incontro:
✅ Cenni di anatomia e fisiologia vocale
La respirazione del cantante | Le corde vocali | Il tratto vocale
✅ Meccanismi laringei e Registri vocali
✅ Il registro medio con consonanza mista: il Mix
✅ Tipologie di Mix a confronto (verticale, orizzontale)
✅ Come sviluppare un buon Mix
✅ Il Belting
✅ Postura e voce: il corpo che canta
✅ Energia e visualizzazione: Il modello del semicerchio© Singer Body Training®
✅ Riscaldamento e defaticamento vocale
✅ Domande e risposte
✅ Sessione pratica con i partecipanti

COSTO €45 a persona

Riserva il tuo posto:
📱349 2550046 📱340 3878214
📧 scuoladiteatrodrama@gmail.com